Bernard Buffet Musée d’Art Moderne de Paris

lundi 6 février 2017 par baleenfrancais

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Retrospective Bernard Buffet au Musée d’Art Moderne de Paris jusqu’au 26 février 2017

Mondain solitaire : Bernard Buffet ou la contradiction

Retrospective Bernard Buffet MAMVP ©VBRetrospective Bernard Buffet MAMVP ©VB

Tout lui a été reproché …et son contraire !  Il était temps de réhabiliter Bernard Buffet et son oeuvre prolifique et singulière . C’est la tâche à laquelle s’est attelé Fabrice Hergott , directeur du Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et initiateur de l’exposition  . Buffet a provoqué très vite une forme de répulsion – fascination liée à un succès jugé trop précoce ; on lui reproche de tirer sur la corde de la facilité en reproduisant une technique à l’infini , dans le même temps , on critique sa distanciation du courant du moment occupé à l’abstraction alors qu’il en est encore à

Bernard Buffet Voyage dans ma chambre 1947MAMVP ©VBBernard Buffet Voyage dans ma chambre 1947 MAMVP ©VB

croquer des portraits hautement figuratifs à l’époque où Malraux ouvre son ministère des Affaires Culturelles pour soutenir l’avènement de l’art abstrait. On raille aussi sa manière de vivre grand train un peu comme Fitzgerald  et Zelda , vautrés dans l’ alcool , l’argent , le succès , la célébrité , les  mondanités jusqu’à l fin. Mais , malgré une peinture sans joie  dite miserabiliste – ses autoportraits le représentent de façon sinistre dès le début- , il acquiert très jeune l’approbation d’une partie de la critique , du public et de certains de ses contemporains dont Warhol qui  en fit son peintre préféré. Cependant,  son ascension dans le monde artistique de l’époque est surtout du à l’engouement inconditionnel du marchand Maurice Garnier depuis sa découverte du tableau  » Le Buveur « de  1948 , qui lui a organisé des expositions avec une régularité de metronome chaque année en février et a fini par consacrer sa galerie à l’usage exclusif du peintre à partir de 1977 avec la volonté de lui dédier une forme de musée.

C’est justement  la rencontre avec Maurice Garnier ( décédé en 2014 ) qui finit par convaincre Fabrice Hergott que Buffet mérite de revenir sur le devant de la scène malgré sa mauvaise réputation et son art joliment terrible ou bien affreusement beau , auquel les commissaires d’exposition n’ont daigné de nouveau s’interesser qu’après la mort du peintre en 1999 . Bernard Buffet est un stakhanoviste de la peinture , il a peint 15 à 17 h par jour  , au moins pour participer aux expositions organisées par  Maurice Garnier pendant 17 ans, son ami de 50 ans , celui qui a élevé Bernard Buffet au Panthéon des génies créateurs.

Retrouver Bernard Buffet : une célébrité méconnue

 » Buffet est l’artiste le plus polémique qui soit …Si j’en juge par mon propre regard, il m’aura fallu plus de trente ans pour passer de l’hostilité horrifiée à l’admiration… « Fabrice Hergott Directeur du Musée d’Art Moderne de Paris.

Bernard Buffet Horreur de la guerre l'Ange de la Guerre 1954 MAMVP ©VBBernard Buffet Horreur de la guerre l’Ange de la Guerre 1954 MAMVP ©VB

La rétrospective de l’œuvre de Bernard Buffet (1928 – 1999), considéré comme l’un des peintres français les plus célèbres du XXème siècle, mais également l’un des plus discutés présente une sélection d’une centaine de peintures, l’exposition propose une relecture d’une œuvre qui a été en réalité très peu vue et qui vient pour partie de la donation de Maurice Garnier .

Parce que le Musée d’Art moderne est le seul musée public possédant une collection importante d’œuvres de l’artiste (entrée en 1953 par l’important legs Girardin et en 2012 par la donation Ida et Maurice Garnier), il était légitime de réaliser ce projet qui remonte aux premiers contacts pris avec son marchand historique Maurice Garnier (1920 – 2014), il y a près de dix ans, mais que la dimension restée longtemps polémique de l’œuvre de Bernard Buffet avait retardé. Aujourd’hui, avec la distance du temps, de nombreux artistes, professionnels et amateurs, reconsidèrent l’œuvre, ce qu’elle pouvait avoir de déroutant s’étant en partie atténué. En balayant l’ensemble de l’œuvre dans un parcours rétrospectif, mais très sélectif en raison de la grande productivité de l’artiste, l’exposition montrera la qualité et la variété insoupçonnées de ce qui restera peut-être comme une des œuvres picturales les plus fascinantes du siècle dernier et dont l’influence sera peut-être une des plus considérables.

Promenade au gré des fagots d’épines

Bernard Buffet Autoportrait-II 1977 MAMVP©VBBernard Buffet Autoportrait-II 1977 MAMVP©VB

Le parcours choisi par la commissaire d’exposition Dominique Gagneux ,est  organisé selon une présentation chronologique et s’ouvrira sur les débuts de Bernard Buffet . Le contexte artistique de l’après-guerre, moment de débats autour de la question des réalismes, de la figuration et de l’abstraction, sera évoqué. Il s’agira de révéler le peintre comme un artiste paradoxal, qui se réfère à la peinture d’histoire à une époque de la disparition du sujet, qui allie peinture austère et aisance financière, grand succès public et rejet du monde de l’art.

Ainsi, à côté de ses thèmes de prédilection –autoportraits, natures mortes–, les différents sujets systématiquement exploités par Bernard Buffet au cours de ses expositions annuelles à la Galerie Garnier seront présentés : cycles religieux (La Passion du Christ), littéraires (L’Enfer de Dante, Vingt mille lieues sous les mers) ou allégoriques (Les Oiseaux, Les Folles). L’accent sera mis sur la réflexion constante de Bernard Buffet sur la peinture d’histoire (Horreur de la Guerre) et sur l’histoire de la peinture (Le Sommeil d’après Courbet), jusqu’à La Mort, spectaculaire dernière série se référant aux memento mori médiévaux.

1945-1955 L’invention d’un style / Une gloire fulgurante

Dans l’effervescence artistique de l’après-guerre, beaucoup d’artistes choisissent de repartir à zéro en se tournant vers l’abstraction. D’autres, adolescents sous l’Occupation, heureux d’être vivants et  libres, décident de délivrer un message humaniste, d’exprimer une réalité profonde et de témoigner de leur quotidien. Soutenus par des galeries et des critiques, ces peintres se regroupent, exposent au Salon des moins de trente ans, au Manifeste de l’Homme témoin, au Salon de la Jeune Peinture.

Étudiant à l’École des beaux-arts, Bernard Buffet se forme au Louvre qui rouvre progressivement. Il peint ses premières natures mortes dans la tradition de Gustave Courbet et de Jean Siméon Chardin ; ses paysages évoquent Maurice Utrillo ou Alphonse Quizet. S’il participe un temps au mouvement de la Jeune Peinture qui réunit les tendances réalistes, il réalise des toiles au graphisme anguleux, sans ombre ni profondeur, et se distingue par son style d’une somptueuse pauvreté. Les tonalités  sourdes –en raison d’une pénurie de couleurs– s’accordent aux thématiques : natures mortes dépouillées, crucifixions, paysages déserts, figures solitaires. Ses toiles sont remarquées par les critiques et les collectionneurs et, à 19 ans, il remporte le prix de la Critique. Aux yeux du public, la réussite fait de Buffet le successeur de Pablo Picasso. Après l’admiration suscitée par le triptyque Horreur de la guerre ( une toile immense trônant au coeur de la première salle où le silence recueilli des visiteurs résonne encore dans ma tête )  une enquête menée en février 1955 par la revue Connaissance des arts le place en tête des dix meilleurs peintres révélés depuis la Libération.

Bernard Buffet Vacances-en-vaucluse-1950 MAMVP ©VBBernard Buffet Vacances-en-vaucluse-1950 MAMVP ©VB

Bernard Buffet peint partout et tout le temps : dans la chambre de l’appartement de ses parents aux Batignolles, dans la maison de sa grand-mère au Quesnoy – me voici un point commun avec Buffet – Il utilise des morceaux de drap, des toiles à matelas, des tabliers cousus ensemble; il peint sur les toiles clouées au mur. Les châssis sont fabriqués avec des chutes de bois rapportées de la miroiterie dirigée par son père. Á ses débuts, la rareté des couleurs disponibles commande la tonalité générale de ces peintures (gris, ocre) et la finesse de la couche picturale. Il prend ses proches comme sujets, se peint beaucoup lui-même et fait l’inventaire des objets familiers : paniers à bouteilles, dessous de plats, lampes à pétroles et moulins à café. Les animaux qu’il peint –lapin, raie, achetés au marché– s’inscrivent dans une  tradition picturale, de Chardin à Courbet.

Avec Deux hommes dans une chambre, Bernard Buffet remporte à 19 ans le prix de la Critique organisé par la galerie Saint-Placide.  Les sujets des premières œuvres de Buffet sont indistinctement  des nus masculins et féminins, dans des postures souvent triviales. Les portraits de Bernard Buffet sont des stéréotypes ou, comme l’écrit Jean Cocteau, «des unitypes». Les visages sont, dessinés plus que peints, en une physionomie simplifiée, aussi elliptique que les traits d’une caricature ou d’une bande dessinée. Les autoportraits de Buffet innervent toute son œuvre. Il se représente tel qu’il se voit plus que tel qu’il est : le visage émacié souvent animé d’un rictus exprimant un cri silencieux, le nez aigu, le regard sans pupille . Ses modèles sont Velázquez  ou  Dürer .

Horreur de la guerre : Bernard Buffet peint ce triptyque et les vingt-six aquarelles qui l’accompagnent en 1954 ; il n’a que 26 ans. Par leur démesure et leur thème ambitieux, ces toiles révèlent l’aspiration du peintre à marquer son époque, comme a pu le faire Picasso avec Guernica (1937). Buffet se  nourrit des grands exemples de l’histoire de l’art pour réaliser ses compositions : Les Grandes Misères de la guerre de Jacques Callot (1633), Les Désastres de la guerre de Francisco de Goya (1810-20) ou encore La Guerre du Douanier Rousseau (1894). En «peintre témoin de son temps», il rend compte des atrocités de la seconde guerre mondiale mais pas uniquement. Ses nus décharnés n’évoquent aucune époque, donnent une portée universelle à son discours.

Crucifixion : En 1946, Bernard Buffet réalise un Christ en croix, d’une grande expressivité rappelant celui de Grünewald, et une Crucifixion à plusieurs personnages dont il actualise le thème. Le Christ  est entouré de figures dont la douleur retenue fait écho au quotidien de l’après-guerre, avec des enfants en culottes courtes et béret, une femme au foulard portant un panier à bouteilles, et des objets d’une grande simplicité (escabeau d’atelier, échelle, cuvette; brocs, pinces). Cette œuvre peinte après la mort de sa mère, renvoie aussi à sa souffrance personnelle.

Pour sa première exposition thématique organisée à la galerie Drouant-David, Buffet décide de représenter « La Passion » en trois compositions monumentales avec des personnages grandeur nature. Buffet a mis en place, à 22 ans seulement, son vocabulaire fondé sur une mise en tension d’éléments contradictoires: simplicité d’exécution comme dans la peinture romane et exaspération des formes, les gestes saisis dans une phase statique exploitant la valeur tragique de l’immobilité, expression d’angoisse et de douleur dans des visages stéréotypés. Lors de la Biennale de Venise de 1952, cette Crucifixion voisine avec les sculptures de Germaine Richier.

Pour réaliser son exposition de 1956 à la galerie Drouant-David sur le thème du « Cirque », Buffet choisit soigneusement des moments ou des personnages emblématiques du spectacle: trapézistes, jongleurs, clowns, acrobates, écuyères et animaux, dont il fait une description raisonnée. Faisant  appel à sa culture picturale, il s’appuie sur l’imagerie traditionnelle du cirque (Toulouse-Lautrec, Degas, Seurat Rouault), pour livrer une métaphore de l’artiste. Les figures de ce cirque sont arrêtées dans leur mouvement. Accusé de décrire un monde glacé exhalant une tristesse profonde, des visages fermés et des chairs blafardes, Bernard Buffet déroute le public. Pourtant dans les années 1960, les reproductions de la Tête de clown connaissent un immense succès et sont diffusées dans le monde entier.

Bernard Buffet les-clowns-musiciens-la-cantatrice-1991 MAMVP © VBBernard Buffet les-clowns-musiciens-la-cantatrice-1991 MAMVP © VB

La fureur de peindre 1956/1976 / Le tournant

Les expositions annuelles de Bernard Buffet en février montrent toute une panoplie des procédés que Bernard Buffet peut décliner à l’intérieur de son style personnel: si le graphisme nerveux, l’écriture acérée et l’allongement des corps demeurent, les compositions aux tonalités réduites laissent plus souvent la place à une couleur brillante, à une pâte épaisse et   lourde, comme dans « Les Oiseaux »; les coulures des « Écorchés » rappellent celles de l’abstraction gestuelle; les « Femmes déshabillées » offrent une valeur strictement plastique en noir et blanc; les « Plages » étendent leur graphisme concis et sans couleurs en de difficiles formats allongés; les toiles de « La Corrida » hiératiques et monumentales flamboient tandis que « Les Folles » allient un trait cassant à la violence du chromatisme. À travers ces sujets, Bernard Buffet ne cesse de peindre le même thème, des spectacles qu’il trouve «beaux, proches de la mort, proches de la vie» ou représentant métaphoriquement sa condition d’artiste.

Un an après l’enquête qui plaçait Buffet en tête de la jeune école contemporaine, en tant que «peintre de la misère des jeunes après la guerre», les magazines français et étrangers le décrivent comme   le « peintre millionnaire de la misère », donnant de lui une image paradoxale. Jusqu’en 1958, la  notoriété de Buffet ne faillit pas. On le sollicite pour des campagnes publicitaires, les défilés de haute couture, le jury du festival de Cannes. Les reproductions de la Tête de clown sont diffusées dans le monde entier. Toutefois, plus il est connu du grand public, plus sa réputation auprès des milieux culturels faiblit, et en 1966, il se retrouve au 18ème rang dans l’index de Connaissance des arts.

Au tournant des années 1970, il travaille dans la solitude de son atelier et produit des œuvres d’un calme déconcertant. Décoré de la Légion d’honneur, nommé à l’Académie des Beaux-Arts, il reste un peintre controversé que les critiques encensent ou éreintent.

Bernard Buffet pontoise-leglise-st-maclou-1976 MAMVP ©VBBernard Buffet pontoise-leglise-st-maclou-1976 MAMVP ©VB

Paysages de Paris : l’exposition des paysages parisiens de 1957 fut une concrétisation de ses souvenirs lorsque, enfant, il se promenait avec sa mère. Ces œuvres déshumanisées, d’une géométrie exacte et aux perspectives rectilignes, décrivent les monuments  d’un trait noir dans une dominante de gris. Elles ont marqué les écrivains de l’entourage de Bernard Buffet. Cocteau écrit à leur propos: «L’exposition est de premier ordre. Un grand nombre d’images  d’un Paris tout nu, écorché vif, lavé des hommes. La preuve qu’un peintre est un peintre, c’est lorsque tout se met à ressembler à sa peinture. Après notre visite chez David (le soir tombait) je voyais la ville avec l’œil de Bernard.».

La présentation du «Muséum de Bernard Buffet» incarne sans doute l’une des manifestations les plus singulières du peintre qui transforme la galerie David et Garnier en cabinet de curiosités. Squelettes de poissons, insectes épinglés et oiseaux empaillés sont alignés en une multitude de portraits, révélant l’inclinaison durable du peintre pour les sciences naturelles. «La passion des insectes m’a pris quand je suis entré en sixième au lycée Carnot à Paris. Je la dois à mon professeur de sciences, Jean Roy ; le jeudi, il m’emmenait au Muséum». L’attachement plus général de Buffet à la peinture animalière, esquissé dès son exposition « Bestiaire» à la galerie Visconti en 1954, durera jusqu’à la   fin de sa vie.

En  février  1960,  le  public  vient  nombreux  à  la  galerie  David  et  Garnier  voir  l’exposition  des«Oiseaux». Sept peintures de format monumental réinterprètent d’une manière agressive et osée le thème de Léda et le Cygne. Le caractère souvent syncrétique des peintures de Bernard Buffet s’exprime dans ces œuvres où se mêlent son goût pour les sciences naturelles détaillant précisément chaque espèce (chouette, faisan, héron), un arrière-plan avec les paysages graphiques de Haute- Provence tels qu’il les représente depuis dix ans, des différences d’échelles empruntées aux canons de l’art médiéval ainsi que des références mythologiques. Comment ne pas penser, comme Pierre Descargues, à L’Origine du monde de Courbet (à l’époque propriété de Jacques Lacan) devant les poses de ces nus féminins peu idéalisés ? Si certains ont identifié dans ces scènes un mélange de cynisme et de fantastique, l’exposition connut un succès de scandale, des visiteurs ayant porté plainte pour outrage aux bonnes mœurs.

Bernard Buffet Anabel-a-la-natte-1960 MAMVP ©VBBernard Buffet Anabel-a-la-natte-1960 MAMVP ©VB

Si l’on retrouve le visage et le corps d’Annabel dans toute l’œuvre de Bernard Buffet, l’exposition qu’il lui dédie en 1961 est sans doute l’expression la plus manifeste de leur relation: dix-huit portraits, tous de même dimension et proposés au même prix à la galerie David et Garnier.

En 1965, Buffet présente une vingtaine de monumentaux «Écorchés». Il ne respecte pas les structures anatomiques classiquement représentées dans les livres de sciences naturelles mais transforme les corps en êtres hallucinés. Chez les visiteurs de la galerie David et Garnier, c’est l’effroi qui l’emporte. Ces œuvres ont soulevé l’indignation d’une partie de la critique qui n’y voit qu’une tentative facile de scandaliser le public.

La Corrida : Grand amateur de corridas, Buffet choisit de consacrer les sept peintures de son exposition de 1967 à ce thème. Comme à son habitude, il choisit précisément différentes phases de  ce spectacle qu’il détaille (essai de cape, pose des banderilles, mise à mort). Buffet élève ce cérémonial qu’il trouvait « d’une beauté religieuse » au rang de la peinture d’histoire faisant appel à des schémas de composition anciens.

Femmes déshabillées : L’exposition de 1966 diffère fortement de la précédente. Les couleurs incandescentes des « Écorchés » ont laissé la place à des figures féminines monumentales, inexpressives, blanches, rehaussées de gris-beige ou bleuté, sur un fond noir. La rigueur géométrique des lignes qui enserrent leurs formes est déroutante, et confère à ces femmes une indéniable valeur plastique pure, bien que l’artiste se défende de toute tendance abstraite. Autre paradoxe de cette peinture : faire jouer le rôle utilitaire de porte-objets de désir à des Olympias, «Eves médiévales» (Cocteau) ou Trois Grâces. À sa manière, Bernard Buffet portraiture la femme moderne et déshumanisée des affiches publicitaires des années soixante. Jamais il ne fut plus proche de l’image de la femme diffusée « dans les assemblages des pop’ artistes et dans les films de Godard. Buffet n’est pas le seul sur son sujet. Mais il est le seul à oser le peindre », comme le relève un journaliste.

« Il faut refaire dix fois, cent fois le même sujet » recommandait Edgar Degas. Fidèle à ce précepte, Buffet peint en 1967 six toiles monumentales ayant pour thème «Les Plages». Ce sont celles de Saint-Cast en Bretagne où le peintre passe ses étés depuis l’enfance et qui sera sa résidence de  1964 à 1970.

Bernard Buffet les-plages-le-parasol-1967 MAMVP © VBBernard Buffet les-plages-le-parasol-1967 MAMVP © VB

En 1971, l’exposition de février à la galerie Maurice Garnier a pour thème «Les Folles». Buffet plonge dans les bas-fonds de Pigalle pour en portraiturer sa dynamique morbide. Si l’univers des cabarets et de la prostitution a déjà été traité, par Toulouse-Lautrec notamment, la violence qui se dégage des« Folles » le rapproche d’Otto Dix. Les corps pâles se détachent d’une composition dominée par des couleurs chaudes, propres au décorum des maisons closes. L’espace est saturé de figures grotesques, harnachées et fardées à outrance.

Pendant trois années consécutives en 1974, 1975 et 1976, Bernard Buffet présente des paysages paisibles . Une certaine presse salue cette manière post-impressionniste où Vlaminck et Utrillo sont convoqués. À première vue, ces toiles évoquent la peinture montmartroise, et cette forme anachronique se situe à l’opposé des concepts artistiques de la modernité des années 1970. Le caractère kitsch de ces vues de cartes postales a masqué  la  prouesse  technique  des  perspectives  vertigineuses,  le  systématisme  du  trait,  leur ambiance anormalement dépeuplée, et surtout le rendu virtuose d’une lumière totalement réinventée, les toiles ayant été peintes dans l’isolement de son atelier de Villiers-le-Mahieu la nuit, à la lueur des lampes électriques.

Mythologies – 1977-1999 / L’exil

En 1977, surprenant le public après trois années de peintures de paysage, Bernard Buffet renoue  avec les grands thèmes en présentant « L’Enfer de Dante ». Les héros qu’il choisit de dépeindre, Dante l’exilé ou Nemo le reclus volontaire, sont des autoportraits. Convoquant Caspar David Friedrich, Eugène Delacroix, François Clouet ou Léonard de Vinci, il renouvelle son style à chaque présentation  annuelle: « L’Enfer de Dante » reprend la manière graphique de ses débuts, « Vingt mille lieues sous les mers » l’illustration du XIXème siècle. Une tension naît du paradoxe entre cette peinture référentielle et un anti-intellectualisme qui le rapproche souvent des artistes du Bad Painting  américain.

La période est marquée par de grandes rétrospectives à l’étranger : à Kassel, Saint-Pétersbourg, Moscou et surtout au Japon, qu’il considère comme sa seconde patrie depuis qu’il y a un musée. Il est membre de l’Institut, il bat des records en ventes publiques, en 1999, il est, pour le magazine Paris Match, une des figures qui ont marqué le siècle. Pourtant, malgré cela, ses expositions sont peu relayées par la presse, aucun grand musée français ne lui achète ou ne présente ses œuvres. Bien qu’il soit comparé ici et là à des artistes pop ou de la figuration narrative, bien que Warhol le considère comme un grand peintre, il reste, à cette époque, un artiste « à côté », impossible à placer dans une histoire de l’art contemporain en train de s’écrire.

Se renouvelant encore pour l’exposition de février 1977, Buffet propose en sept  formats  monumentaux (les plus grandes toiles font 6 m de long) plusieurs visions de L’Enfer de Dante. Comme à son habitude, il choisit avec méthode les chants de La Divine Comédie : Les Damnés pris dans les glaces, L’Homme à la tête coupée, Les Harpies. Les scènes devant lesquelles le spectateur est invité à déambuler, comme dans les panoramas du XIXème siècle, sont d’une grande violence. Avec des tonalités de gris et d’ocres et un graphisme dur, il renoue avec la manière des œuvres du début et le thème en accord avec la désespérance qui correspond à son image. Les figures de Dante et Virgile sont conformes à la tradition iconographique, depuis Raphaël jusqu’à Delacroix, le décor est emprunté aux toiles de Caspar David Friedrich (L’Arbre aux Corbeaux, La Mer de glace), les Damnés  à Luca Signorelli. Comme souvent, les références historiques se mêlent à des éléments autobiographiques car il prête son propre visage et celui de ses proches à plusieurs damnés.

Bernard Buffet lenfer-de-dante-damnes-pris-dans-la-glace-1976 ©VBBernard Buffet lenfer-de-dante-damnes-pris-dans-la-glace-1976 ©VB

En 1989, Buffet réalise dans son domaine de la Baume un ensemble monumental, «Vingt mille lieues sous les mers». Grand lecteur de Jules Verne, Buffet élève la figure du capitaine Nemo au niveau de Dante ou de Don Quichotte. Comme l’intérieur du Nautilus peint à l’image du  salon de la Baume, les représentations de Nemo peuvent se lire comme autant d’autoportraits . Plus encore que la peinture d’histoire, les spectateurs voient dans ces toiles une éclatante similitude avec la bande dessinée.

À l’issue de son quatrième séjour au Japon, Buffet décide de travailler simultanément sur deux  thèmes pour son exposition annuelle de 1988 : les «Sumos» et le «Kabuki».  Comme pour son exposition sur le «Cirque» en 1956, Buffet propose une nomenclature des différents personnages d’un spectacle, tous mis à distance dans un livre d’images monumental que vient conforter son graphisme évoquant celui de la bande dessinée.

Clowns musiciens: Bernard Buffet renoue avec le thème du cirque plus de trente ans après son exposition de 1956 à la galerie Drouant-David.  Pour cet ensemble, il n’est pas question de refaire une typologie des métiers du cirque : plus de trapézistes ni de jongleurs, Buffet se limite à la figure du clown musicien et le décline comme autant d’épouvantails pris dans une pantomime burlesque. Ces toiles insolentes et féroces semblent avoir été créées comme une provocation à l’égard des détracteurs du peintre qui pousse toujours plus loin la caricature de son propre travail. Pour preuve, la réutilisation en arrière-plan du papier peint et des rideaux présents dans ses toiles des années 1950. Ce spectacle pathétique rend sans doute compte du regard hostile de Buffet sur le monde. Cette autodérision est celle d’un esprit libre, que l’on pourrait rapprocher de l’esthétique punk.

L’ensemble des «Terroristes» s’enracine dans la production parfois très violente de l’artiste qui se penche avec récurrence sur le thème de la guerre et son absurdité sacrificielle («Horreur de la guerre», «L’Empire ou les plaisirs de la guerre»). Le point focal se situe  dans le recensement minutieux de l’attirail des criminels, cibles, pistolets- mitrailleurs et armes de poing, déclinés comme autant de natures mortes. Cependant, la violence du sujet n’est pas exempte d’un certain humour noir. Ironie , si l’on songe à la réception du travail de Buffet qui, s’estimant victime d’un terrorisme culturel, décide de placer lui-même des cibles sur ses œuvres offertes à la critique assassine.

Le vernissage de l’exposition «Mes singes» en février 1999 est le dernier auquel Buffet assiste. Le peintre propose à travers plusieurs dizaines de toiles une nomenclature simiesque (chimpanzé, gorille, orang-outan, hurleur, macaque, etc.) qui se révèle être une galerie de portraits habités d’un sentiment de tristesse ou de déception, rappelant les figures de clowns. Étrangement humains, ils posent eux- mêmes un regard sur le spectateur, revisitant ainsi les singeries de Chardin. Lorsque Bernard Buffet met fin à ses jours à Tourtour, vingt-quatre toiles numérotées ayant pour thème «La Mort» sont dans l’atelier, prêtes pour la prochaine exposition. Masculins ou féminins (parfois les deux), ces personnages anachroniques en costumes de la Renaissance ont d’abord été peints vivants, puis Buffet les a peu à peu écorchés de façon à ce qu’apparaisse le squelette, jusqu’à les  transformer  progressivement  en  transis.  La  peinture  de  Buffet  a  souvent  été  qualifiée     de « gothique », un gothique médiéval où l’on apprend l’art de bien mourir.

Gravures : Usant dans ses peintures d’un graphisme aigu, de lignes noires et d’une palette restreinte, Buffet ne pouvait que s’intéresser à la dureté et à la force de la gravure. Son travail sur cuivre est admiré par la critique dès la parution des Chants de Maldoror en 1952. Son répertoire iconographique est celui de la peinture : portraits stylisés, paysages de Provence, bestiaire. Plus encore que dans les toiles, la surface est hachurée, griffée. Puisant son inspiration dans des livres qui le touchent, il renouvelle d’une manière très variée le rapport du texte à l’illustration. Dans La Voix humaine de Jean Cocteau, le graphisme serré remplit la page d’une manière étouffante, la taille fluctuante des caractères figure les changements de ton et recouvre parfois l’image. Toxique de Françoise Sagan, offre de grandes plages de blanc pour les corps et les objets traités de façon elliptique pour exprimer son angoisse du vide et de la solitude. Le carnet d’esquisses pour l’édition en 1954 de la suite d’eaux- fortes La Passion du Christ, relève comment chaque épisode est soigneusement sélectionné, ainsi que des essais de graphisme et de placement de la typographie.

Extraits des Textes de Dominique Gagneux commissaire d’exposition .

Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris

Fondation Bernard Buffet

Voir également : BERNARD BUFFET Intimement jusqu’ au 5 mars 2017 au Musée de Montmartre

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