Clément Cogitore à la Kunsthaus Baselland

Clément Cogitore Kunsthaus Baselland Photo VB

Clément Cogitore cinéaste français à la Kunsthaus Baselland 15.2.-28.4.2019

Musique baroque en costume d’époque … la nôtre ! 

J’ai rencontré une dame à la Kunsthaus Baselland – l’autre artiste de l’exposition Anna Winteler m’a t-on raconté -: vous connaissez Rameau ?

Euh , oui , pourquoi ? “Alors allez  vite voir la video de Clément Cogitore , à peine 6 minutes mais je viens de la regarder en boucle pendant une heure , venez allons-y encore une fois !”

En guise de conclusion à l’entretien du cinéaste Clément Cogitore enregistré à l’Opéra Bastille en 2017 , celui-ci  émet le voeu que le visionnage de son film ait le même effet sur le spectateur que sur lui-même : addictif , tout à la fois hypnotique et libératoire, apte à chasser puis évacuer les tensions . Pour sur , le réalisateur aurait été bienheureux de croiser cette admiratrice  à la Kunsthaus de Bâle- Campagne . Au fait, comment Rameau et Cogitore se sont-ils percutés ? En 2017 , le jeune cinéaste français adapte l’air des Sauvages , extrait des Indes Galantes de Jean-Philippe Rameau, avec le concours d’un groupe de danseurs de Krump, et de trois chorégraphes : Bintou Dembele, Igor Caruge et Brahim Rachiki. 
 

Les Indes galantes de Jean-Philippe Rameau : insouciance et libertinage sous Louis XV au XVIIIème

 
Que l’on ne s’y trompe pas – la faute à Christophe Colomb sans doute -: les Indes galantes ne se jouent pas en Inde mais en Turquie , en Perse ( Iran )  , au Pérou et …en Amérique du Nord . Les indiens sont donc amérindiens , d’ailleurs la scène originelle de la 4 ème entrée se déroule dans une forêt d’Amérique du Nord où Adario , le chef des guerriers indiens s’apprête à conclure la paix avec les colons français et espagnols. C’est la danse du grand calumet de la paix. Il s’agit d’un spectacle de danse d’Indiens de Louisiane vu en 1725 à la Comédie-Italienne qui inspire à Rameau la dernière partie de son opéra . La vision du compositeur laisse sous-entendre une certaine bienveillance à l’égard des civilisations extra-européennes et par là-même peut-être un appel contre le colonialisme, ce qui était très inédit à une époque où la conquête des colonies était synonyme d’inféodation de peuples considérés comme infèrieurs. Quelque chose qui m’évoque la dernière bonne blague de Trump citant les noirs comme des êtres trop stupides pour voter pour lui aux prochaines élections ; en l’occurrence , je les crois au contraire d’une intelligence très supèrieure ( nda). Les Indes galantes de Rameau symbolisent l’époque insouciante et libertine sous Louis XV, création qui place définitivement  l’auteur comme maître du spectacle lyrique de son temps et bien après. Pour preuve,  en 1957 , la pièce est présentée à l’Opéra royal du Versailles en présence d’une invitée de marque : la reine d’Angleterre  . So chic , isn’t it ? 
 

Les Indes galantes de Clément Cogitore  : une chorégraphie de la violence au XXIème siècle

CLEMENT COGITORE

ANNA WINTELER Körperarbeit . Une rétrospective
25 janvier – 28 avril 2019 Kunsthaus Baselland

Anna Winteler est un phénomène exceptionnel, et pas seulement dans la scène suisse de la vidéo et de la performance. Née à Lausanne en 1954, elle a fait des études de musique et de danse dès son plus jeune âge, puis s’est installée à Londres, Cannes, Stuttgart et Paris au début des années 1970 avant de s’installer à Bâle en 1978.

Déjà avec sa première vidéo, Le Petit Déjeuner sur la Route d’après Manet de 1979, Winteler a suscité un grand intérêt. Agissant devant la caméra, l’artiste marche linéairement aux petites heures du matin du Mittlererer Rheinbrücke de Bâle au Wettsteinbrücke, à contre-courant, en amont, et se débarrasse ainsi de ses vêtements emphatiquement féminins.

Le corps et les mouvements respectifs dans l’espace sont les thèmes essentiels qui caractérisent l’œuvre d’Anna Winteler.  Dans l’œuvre de Winteler, le corps féminin est plutôt le corps qui doit garder l’équilibre à chaque pas et à chaque action , qui tombe, se relève, retombe, retombe, échoue – et reste intact. Les formations montagneuses glissent sur les paysages corporels. Discours des Montagnes à la Mere / Discours des montagnes à la mer ( – à la mère) . 

Anna Winteler sous-tend toutes ses œuvres vidéo avec un concept précis, mais elles ne sont pas répétées, répétées ou même corrigées. Le lieu du tournage est déterminé une seule fois : les personnes devant la caméra, la plupart agissant seules, l’ensemble du décor, le travail de la caméra, qu’elle ou un cameraman, souvent Reinhard Manz, prend en charge. Il n’y a pratiquement pas de coupures.

Entre 1979 et 1991, de nombreuses grandes œuvres vidéo ont été accompagnées de nombreuses performances en direct telles que la performance sur bois, qu’elle a jouée dans différents lieux en Suisse et à l’étranger. La perception large de ses œuvres est également due à la personnalité très présente d’Anna Winteler elle-même.  
Presque toutes les œuvres vidéo pertinentes pourraient être numérisées et utilisées pour la projection.

Liste des œuvres vidéo exposées et des œuvres :

Le Petit Déjeuner sur la Route d’aprés Manet, 1979 La Traviata I et II, 1980
Etudes faciales I : Jeune Femme-CH, 1981/82 Etudes faciales IV : DESERT, 1981
Documentation de la performance du bois, Kunsthaus Zürich, 1981 La cérémonie du thé : le mal du pays, 1982 Avec Christine Brodbeck Discours des Montagnes à la Mere, 1984
Croquis vidéo 1-6, 1985 (Fleurs-Fenêtre, Joie, TOURS de force, Louis XIV, La Gente, The Turtle Silent)
Discours des Montagnes à la Mere : Etat de choses – Etat d’urgence, 1985-1988, Collection Centre culturel Vögele
Discours des Montagnes à la Mere : The Ascent / The Descent, 1988/2019 Discours des Montagnes à la Mere : Les mains, 1988
Valse horizontale pour appareils photo de la main gauche et de la main droite, 1989, avec Monica Klingler 1 chambre pour 2 femmes et 2 caméras, 1989, avec Monica Klingler
Gériatrie 1A – Le Cantique des Cantiques, 1991

Conservateurs : Käthe Walser, artiste, et Ines Goldbach

Mode, Sexe et Mort – Science – Gina Folly
Sports, jardins et consommation visible Projet annuel de plein air Kunsthaus Baselland 2019 14.2.-31.12.2019

Depuis de nombreuses années, l’œuvre de Gina Folly s’intéresse de près au médium de la photographie, qu’elle développe et complète par de nouvelles formes et possibilités de présentation.
Les événements et phénomènes politiques, économiques, culturels, sociaux et écologiques, avec lesquels elle réfléchit et analyse précisément son environnement immédiat, peuvent jouer un rôle essentiel dans ses installations. L’être humain dans son propre environnement – entre naturel et artificiel, dans la création constante du concept de vie respectif – sont d’autres thèmes qui intéressent Folly.

Ines Goldbach a rencontré l’artiste pour une entrevue avec elle dans le cadre du projet extérieur annuel 2019. Extrait

Ines Goldbach : J’aimerais vous parler de votre approche particulière de la photographie qui, d’une part, est le médium central de votre pratique artistique et, d’autre part, est toujours pensée par vous en termes d’installation et d’espace. En traçant des choses et des situations quotidiennes, en les reconnaissant et en les capturant à travers l’œil photographique, vous interrogez votre environnement d’une manière à la fois significative, humoristique et ironiquement fine, et vous en tirez des installations spatiales. Pour de nombreuses raisons, le design de la bannière extérieure me semble donc très approprié dans votre travail. Le quotidien, le naturel et l’artificiel, la réalité et l’exagération se rencontrent ici, et en même temps vous ouvrez un autre espace architectural. Commençons par la façon dont vous avez créé le motif que vous montrez maintenant.

Gina Folly : Au printemps 2018, j’ai eu la chance d’effectuer une résidence de trois mois au Swiss Institute New York. Heureusement, pendant ce temps, j’ai pu vivre avec un très bon vieil ami à moi. Le motif de la bannière extérieure du Kunsthaus est une image de sa bibliothèque… Pour moi, l’image est un lieu d’amitié, d’amour, de passé, d’avenir et d’imagination, peut-être résumé en un seul mot : pour la vie.  Cela fait du motif pour moi une encyclopédie de ma vie personnelle et en même temps un motif valable dans un sens abstrait universel.

IG : Pour le Kunsthaus Baselland, la vie de tous les jours sera également un élément essentiel de votre travail. Pendant les 12 prochains mois, l’œuvre sera présente dans un espace public, 24 heures sur 24… 

GF : l’une des choses que j’aime le plus dans la bannière de la façade du Kunsthaus Baselland, c’est que les livres deviennent presque grandeur nature et entrent ainsi automatiquement en dialogue ou en relation avec leurs homologues, ce qui les rend peut-être aussi un peu abstraits.

IG : J’aimerais aborder un dernier point, celui du travail de processus, parce que beaucoup de vos travaux évoluent et divergent. Voyez-vous le motif de la bannière extérieure comme une étape dans une séquence d’étapes ?

GF : Oui, absolument. Mes œuvres sont presque toujours générées à partir d’une photographie. Je tiens une sorte de journal intime, la plupart du temps enregistré avec mon téléphone. Je documente ma vie quotidienne en tant qu’observateur. Ce sont les structures architecturales, les objets et les événements sociaux qui simplifient, perturbent ou compliquent notre vie quotidienne, ou que je ne comprends pas. C’est précisément pourquoi il peut être intéressant de les documenter. Ces moments disparaissent généralement à nouveau dans mes archives.
Quand je travaille sur un projet concret, je les ressors. Il en résulte généralement des objets approuvés que je reproduis et spécifie. Dans ces processus, je me préoccupe d’établir des relations. Qu’il s’agisse de connaître la personne qui a créé l’objet qui m’attire ou la raison de son existence, et de trouver le bon producteur pour reproduire exactement les œuvres respectives. Cette discussion est importante parce qu’elle manifeste et légitime presque toujours l’existence d’une œuvre.

REBECCA KUNZ joue avec les espaces et la lumière

25 janvier au 28 avril 2019 Kunsthaus Baselland

 Les chambres de Rebecca Kunz sont inévitables, irritantes, presque vides, radicales. Bâle 2018 : Pour son mémoire de fin d’études, l’artiste bernoise loue une maison à plusieurs étages sur la Hardtstrasse, qui sera inoccupée pendant une courte période, et intervient en partie de manière subtile, en partie évidente. Les couloirs et les passages se terminent par des impasses. Les conditions d’éclairage ont changé. Il n’est pas possible de regarder à l’extérieur, ce qui pourrait fournir une orientation spatiale et surtout temporelle. Quand j’étais dans l’intérieur sombre de mon dernier projet Haus Hardtstrasse 43 pendant plusieurs mois, raconte l’artiste, j’ai remarqué comment la maison s’est lentement fondue en moi. La maison et moi avons fusionné de plus en plus. L’ambiance des chambres est devenue la mienne. C’est l’espace qui est devenu le point de départ de mon travail. Si j’y reste assez longtemps – et si possible seul – la pièce me dicte sur quelles traces, quels détails architecturaux et structurels je dois me concentrer et lesquels sont moins importants”.

Dans son œuvre encore jeune, l’artiste, qui travaille à Bâle et à Berne, ne parle pas d’un seul espace, mais de diverses possibilités de repenser l’espace et le lieu et d’en faire l’expérience.

Au Kunsthaus Baseland, chaque chambre a deux ouvertures. Toute la structure spatiale correspond donc davantage à un lieu de passage qui s’arrête pour passer. L’intervention fondamentale de Rebecca Kunz ne change pas seulement le mouvement des visiteurs, mais aussi le temps qu’il faut pour se promener dans les pièces. Les espaces ont vraiment des effets complètement différents sur nous.  Il y a la lumière qui nous réveille, l’autre lumière qui nous rend somnolent. Une lumière qui peut être utilisée contre la dépression, une lumière qui nous tourmente parce qu’elle est si fortement dirigée vers nous. L’acoustique de la pièce (sons, bruit, silence), l’orientation, l’odeur, la température et la qualité de l’air sont également importants pour que nous nous sentions bien ou non. De plus, la qualité des sols (doux/durs) et les objets que nous touchons (poignées de porte, murs) influencent notre bien-être et notre perception de l’espace. S’il n’y a pas de fenêtres et qu’il y a beaucoup de pièces dans un bâtiment, nous avons automatiquement du mal à nous y retrouver. S’il n’y a aucun moyen de regarder à l’extérieur, cela peut nous faire sentir en insécurité. Je suis intéressé à parler aux gens de leurs expériences spatiales individuelles. Je suis intéressé par leur expérience personnelle. Il n’y a pas non plus de bien ou de mal. Cela me correspond très bien. J’aime quand les gens trouvent un accès direct à l’art et oublient peut-être brièvement que c’est de l’art.

Rebecca Kunz  vit et travaille à Bâle et Berne. Elle a obtenu sa maîtrise en 2018 à l’Institut d’art de la HGK FHNW.

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